Todo llega a su fin, y este top es muestra de ello, te dejamos lo que a nuestra consideración fueron los 10 mejores discos del año.
10. Mahashmahana – Father John Misty
“Mahashmahana” es el trabajo que más alma cinemática tuvo este año, el sexto trabajo de Josh Tillman ofrece una visión del mundo como pocas otras. La obra se sumerge en reflexiones existenciales sobre la mortalidad, el desgaste de la sociedad y la complejidad del ser humano, temas que Misty explora con su característico ingenio mordaz y una sinceridad filosófica que no deja indiferente.
Musicalmente, Mahashmashana brilla por su amplitud estilística. La canción que da título al disco es una épica orquestal de nueve minutos, donde fusiona la teatralidad de las grandes bandas sonoras con una atmósfera íntima y melancólica.
Sorprende con ritmos inspirados en el funk y el disco, demostrando su versatilidad sonora. En cuanto a las letras, Josh Tillman —la mente detrás del personaje Father John Misty— logra aquí un equilibrio entre lo sombrío y lo satírico, abordando temas de decadencia, introspección y redención con una narrativa tan cruda como poética. La crítica coincide en que su composición alcanza nuevas alturas en este álbum, convirtiéndose en un espejo provocador de los tiempos modernos.
9. Lives Outgrown – Beth Gibbons
La icónica Beth Gibbons lució este año con “Lives Outgrown” un disco que tiene influencias del trip hop pero por sí mismo tiene una identidad propia basada en el Folk; Este debut como solista aborda temas personales relacionados con la vida de Gibbons al acercarse a los 60 años. Maternidad, ansiedad, menopausia e incluso la mortalidad se exploran en este trabajo.
En entrevistas, Gibbons mencionó que su inspiración provino de la pérdida de familiares y amigos en los últimos años, lo que la llevó a reflexionar profundamente sobre la vida y la ausencia de esperanza.
Musicalmente, el álbum mantiene una atmósfera sombría y melancólica, característica del trip-hop, pero con arreglos más suaves y orgánicos que acercan el trabajo a una forma de folk moderno. Se ha elogiado la autenticidad de Gibbons, destacando su habilidad para transmitir emociones intensas a través de su voz inconfundible, que continúa evocando la misma intensidad que la consagró en sus años con Portishead.
8. Wall Of Eyes – The Smile
Si bien muchos aún anhelan un regreso de Radiohead, la evolución a The Smile fue un progreso en la carrera de Jonny Greenwood y Thom Yorke, pues sin las limitantes o ataduras de un nombre lograron darle una nueva identidad a su carrera. A pesar que ambos proyectos se han pasado en la experimentación; The Smile ha logrado forjar un carácter distinto, pues podríamos decir que basan su sonido en jammings complejos y experimentales más que en una composición más establecida.
El lirismo en “Wall Of Eyes” es engañoso y te toma desapercibido, pues a pesar de que muchas personas han declarado que Thom Yorke se nota flojo en su escritura, la verdad es que la visión del mundo en el disco es apática y desapegada, una idea que tenemos la gran mayoría de la población respecto al panorama actual. Sin duda un trabajo que te pondrá a pensar tanto como a disfrutar de un experimento músical único.
7. Charm – Clairo
Clairo es una de las figuras prodigio de la música moderna, pues con 25 años ha demostrado tener un amplio abanico de posibilidades, y recientemente en “Charm” demostró de lo que está hecha. A pesar de haber trabajado previamente con el reconocido productor Jack Antonoff en su disco “Sling”, para este nuevo material se rodeó de Leon Michels, una de las figuras más importantes de la escena del Hip Hop y la música alternativa contemporánea, conocido por su trabajo con El Michels Affair. Juntos crearon un álbum que se distingue por su vibrante espíritu y sus arreglos orquestales, donde el clarinete y una rica variedad instrumental complementan su singular estilo.
Líricamente, “Charm” navega entre lo personal y lo universal. Desde la exploración de la feminidad de Clairo hasta la complejidad de la intimidad, el álbum aborda cuestiones como el amor no correspondido y las emociones contradictorias que surgen cuando alguien nos cautiva. La producción, sofisticada y variada, refleja estas emociones complejas, con sonidos que van desde el soul hasta el indie pop, creando una atmósfera envolvente que refleja la tensión y el deseo que se experimentan cuando estamos “encantados” por alguien.
No solo destaca por su enfoque musical, sino también por su capacidad para conectar a nivel emocional. Si aún no te has dejado cautivar por Clairo, este álbum es la oportunidad perfecta para sumergirse en su mundo. Es una experiencia sonora que no te arrepentirás de explorar.
6. Cowboy Carter – Beyoncé
Beyoncé ha vuelto a sorprender al mundo con “Cowboy Carter”, un álbum que marca un audaz giro en su carrera al reimaginar el country y fusionarlo con géneros como el bluegrass y el rock & roll, sin perder su esencia y celebrando el afrocentrismo que ha sido un pilar en su música en los últimos años. Con la colaboración de Jay-Z, la artista ha logrado crear un disco que no solo honra las raíces de la música americana, sino que también desafía las expectativas, demostrando su capacidad para innovar y expandir su rango musical.
Este trabajo, considerado ambicioso y vanguardista, explora temas profundamente personales, como la feminidad y la complejidad de la intimidad, mientras mantiene una crítica social y cultural en su núcleo.
A través de sus letras, “Cowboy Carter” refleja un sentimiento universal: ¿cómo se siente estar encantado por alguien, y cómo se sienten ellos al respecto? Este enfoque introspectivo permite a Beyoncé conectar de manera más profunda con su audiencia, mostrando su vulnerabilidad a través de una nueva faceta artística.
Destaca su capacidad para adaptarse a un género tan arraigado como el country y convertirlo en algo único, personal y contemporáneo. “Cowboy Carter” es una obra que consolida a Beyoncé como una de las artistas más influyentes de su generación, capaz de mantener su autenticidad mientras se reinventa y explora nuevos territorios musicales.
Si aún no te has dejado cautivar por este giro en la carrera de Beyoncé, “Cowboy Carter” es el momento perfecto para hacerlo. Es un álbum lleno de experimentación, emoción y, sobre todo, una celebración de su capacidad artistica para seguir innovando y dejando una huella profunda en la música.
5. Funeral For Justice – Mdou Moctar
“Funeral For Justice“ es una obra que marca un punto de inflexión en la carrera de Mdou Moctar, reflejando su evolución artística al fusionar su rica herencia musical con una postura política clara y una ejecución instrumental sobresaliente. En este álbum, Moctar toma lo mejor de la tradición tuareg y lo mezcla con el dinamismo del rock psicodélico y progresivo, creando un sonido único que transporta al oyente al vasto y árido desierto del Sáhara, al mismo tiempo que evoca la sensación de ser un Fremen en Arrakis.
Las guitarras de Moctar, que se despliegan en largas e hipnóticas improvisaciones, son a la vez deslumbrantes y reveladoras. Su técnica virtuosa, que nunca sacrifica la emoción por la complejidad, crea una atmósfera que invita tanto a la introspección como a la liberación. “Funeral For Justice” tiene una carga política palpable, y si tuviéramos que ponerle un sonido a la rebelión, sería este: una mezcla de furia y resistencia de los menos privilegiados tomando las calles, exigiendo justicia y visibilidad.
A lo largo del álbum, Moctar no solo demuestra su destreza técnica, sino que también utiliza su música como un medio para expresar una crítica social contundente, explorando temas de lucha, desigualdad y justicia. Esta obra no es solo un viaje sonoro; es una declaración poderosa que resuena con la lucha por la equidad, y lo hace de manera tan vibrante que incluso aquellos que no dominan las lenguas del desierto pueden sentir la urgencia y el llamado a la acción que emana de cada nota.
“Funeral For Justice” es una celebración del poder de la música como vehículo de cambio y una muestra de cómo el arte puede ser una poderosa herramienta para la protesta. Mdou Moctar ha logrado una fusión fascinante de tradición y modernidad, convirtiendo este álbum en una de las entregas más emocionantes y significativas de la música global contemporánea.
4. GNX – Kendrick Lamar
En noviembre, Kendrick Lamar sorprendió a sus seguidores y al mundo de la música con el lanzamiento de “GNX”, un álbum que marca un giro hacia una postura más desafiante y competitiva, en la que se exploran temas como rivalidades, lealtad y el estatus dentro del hip-hop. Este trabajo se siente como un manifiesto de orgullo regional, en el que Lamar refuerza su posición de liderazgo dentro del género, sin dejar de lado su capacidad de hacer preguntas complejas sobre su lugar en la cultura y su evolución personal.
La producción de “GNX”, a cargo de Sounwave y Jack Antonoff, se caracteriza por un sonido limpio, resonante y expansivo que complementa a la perfección las complejas capas líricas de Lamar. Las colaboraciones con SZA y otros talentos emergentes de Los Ángeles aportan una frescura y diversidad sonora que elevan el álbum, dando espacio a la experimentación dentro de la fórmula de Kendrick, pero manteniendo su esencia.
A pesar de que algunos críticos consideran que “GNX” no alcanza la profundidad filosófica o política de trabajos anteriores como DAMN. o To Pimp a Butterfly, este álbum se destaca por su agudeza lírica y su relevancia cultural. Lamar no solo celebra su grandeza, sino que también desafía a su audiencia a reflexionar sobre el cambio y la evolución que ha atravesado como artista. En “GNX”, la arrogancia y la vulnerabilidad coexisten, ofreciendo una mirada compleja al personaje público y al hombre detrás de él.
Este trabajo reafirma a Kendrick Lamar como una de las figuras más influyentes del hip-hop contemporáneo, mientras invita a la reflexión sobre el futuro del rap y su propia trayectoria artística. Es un álbum que no solo celebra su legado, sino que también marca el inicio de una nueva etapa en su carrera, en la que la competencia y la introspección se entrelazan para ofrecer una de las entregas más intrigantes de su discografía.
3. You wont go before you’re supposed to – Knocked Loose
“You Won’t Go Before You’re Supposed To” consolida a la banda como uno de los referentes del hardcore punk contemporáneo. Aunque tiene una duración de 27 minutos están llenos de intensidad implacable, el álbum explora una fusión de hardcore, metalcore y matices de nu metal, llevando su sonido hacia territorios más melódicos sin perder la crudeza que los caracteriza.
Producido por Drew Fulk y marcando el debut del guitarrista Nicko Calderon, este trabajo amplía los límites del género con influencias inesperadas, como ritmos de pop y reggaeton, lo que ha sido elogiado. Temas como “Blinding Faith” y “Don’t Reach For Me” junto a colaboraciones como la de Poppy en “Suffocate” destacan en un disco que evita el relleno para ofrecer una experiencia directa y contundente.
Con este álbum, Knocked Loose reafirma su capacidad para innovar dentro del hardcore y su relevancia en la escena musical actual, entregando un proyecto que combina energía visceral con una exploración sonora audaz.
2. Songs of a lost World – The Cure
Después de 16 años de espera, The Cure regresa con “Songs of a Lost World”, un álbum que no solo captura la esencia de la banda, sino que también los lleva a un territorio de introspección profunda y emotiva. En este trabajo, la mortalidad, la pérdida y la reflexión se convierten en los ejes centrales de una atmósfera melancólica que recuerda a clásicos como “Disintegration”, pero con una sensibilidad renovada que hace que este álbum se sienta tanto relevante como atemporal.
Las ocho canciones de “Songs of a Lost World” destacan por su densidad emocional y paisajes sonoros ricos, los cuales se construyen sobre las icónicas líneas de bajo de Simon Gallup y la guitarra innovadora de Reeves Gabrels. Canciones como “Alone” y “Endsong” combinan letras introspectivas con melodías envolventes, creando una experiencia auditiva profunda que invita a la reflexión sobre los ciclos de la vida y la inevitabilidad de la despedida.
Aunque profundamente arraigado en el característico sonido melancólico de The Cure, este álbum logra sentirse fresco y contemporáneo, demostrando que la banda sigue siendo capaz de evolucionar y conectar con nuevas generaciones de oyentes. “Songs of a Lost World” reafirma la capacidad la banda para capturar emociones universales a través de su música, consolidándolos como una de las bandas más influyentes y duraderas del panorama musical. Es un trabajo que, aunque melancólico, lleva consigo una belleza introspectiva que sigue tocando el alma de todos aquellos que se atreven a escucharlo.
1. brat – Charli XCX
El verano de 2024 se pintó de verde gracias a “brat” , que marca una nueva etapa en la evolución musical de Charli XCX, consolidándose como una de las artistas más innovadoras y audaces del pop contemporáneo.
El álbum fusiona a la perfección el hyperpop con influencias rave, creando un sonido que oscila entre lo crudo, experimental y sofisticado. Charli continúa empujando los límites de la producción pop, utilizando sonidos sintéticos y texturas electrónicas que exploran nuevas posibilidades sonoras, mientras mantiene su inconfundible estilo futurista y eufórico.
En “brat”, Charli no solo experimenta con la estética sonora, sino que también profundiza en la complejidad de su identidad artística. Las canciones como “Von Dutch” y “The Girl, So Confusing”, que cuenta con una colaboración con Lorde, reflejan una vulnerabilidad genuina, mostrando su lado más introspectivo en medio de una energía casi caótica. Estos contrastes entre la dureza y la vulnerabilidad se convierten en el corazón del álbum, ofreciendo himnos que son tanto de empoderamiento como de duda existencial.
A lo largo de su carrera, Charli ha sido una de las artistas más comprometidas con la experimentación sonora y la reinvención, y con este trabajo no es la excepción. Su capacidad para mantenerse a la vanguardia del pop, sin perder la conexión emocional con su público, es lo que sigue marcando su lugar único en la música actual. Este álbum reafirma su posición como líder, mientras establece un nuevo lenguaje para una generación que busca en la música no solo escapismo, sino también autenticidad y desafío.
brat es un manifiesto de la identidad de Charli XCX: una figura que juega con las expectativas, desafía los géneros y continúa innovando mientras mantiene una relación honesta con sus inseguridades y fortalezas. Es lo que el Pop puede y quiere llegar a ser.
No podemos esperar para verla en el Festival AXE Ceremonia este próximo Abril.
¡Gracias por acompañarnos en este top! Dejanos saber que opinas al respecto sobre el top, queremos saber tu opinión.